Páginas

martes, 11 de marzo de 2014

LA ÓPERA: Cuatro maneras de rematar una obra líricamente

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>


Mozart
El siglo XVIII es el de la Ilustración, el del Enciclopedismo y en el que se impone la razón frente a los sentidos como fuente de conocimiento. Por todo ello, se le conoce también como el Siglo de las Luces, y jugando con las palabras, yo añadiría que la luminosidad que transmite la música de este periodo, bien puede contribuir a dar validez a este calificativo.
Mozart podía haber finalizado su ópera "Don Giovanni" con la gran escena en la que el famoso seductor es arrastrado a los infiernos, pero influenciado por el pensamiento ilustrado de la época, remata la obra con un excelente sexteto, donde se acaba imponiendo el sentido común, y cada uno de sus interpretes toma conciencia de la situación y afrontan su futuro pensando más con la cabeza que con el corazón.

Final de Don Giovanni de Mozart. Ópera estrenada el 29 de octubre de 1787.


>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>


Donizetti
En el siglo XIX todo cambia, y se imponen los sentimientos, los ideales, el sentido trágico de la vida y los extremos, estamos de lleno en el Romanticismo. En la ópera se impone el belcantismo romántico italiano, en el que se dan con mucha frecuencia las famosas escenas de locura, por amor o por desamor, y en los finales de las obras de este periodo, se suele morir cantando o se canta mientras se esta perdiendo el último aliento de vida. Todo gira en torno a la belleza del canto y a resaltar la voz como expresión de los sentimientos más profundos. La "Lucia di Lammermoor" de Donizetti es el paradigma de esta escuela operística y contiene todos estos elementos del belcanto. Muere cantando una estupenda aria.

Final de Lucia di Lammermoor de Donizetti. Ópera estrenada el 26 de septiembre de 1835.


>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>


Wagner
Seguimos en el siglo XIX, peroWagner, siendo tan deudor del Romanticismo como sus más o menos coetáneos, fue un revolucionario y rompió con todo lo establecido. En sus últimas obras la música ya no está al servicio del canto, sino que es parte fundamental del discurso dramático y se integra perfectamente con la voz para narrar y expresar, tanto los acontecimientos como los sentimientos.
En este final de la obra con la que concluye su famosa Tetralogía, Wagner deja que la música, por sí misma, sea la que ponga el punto final a la narración lírica. La verdad: un magnífico epílogo.

Final de Götterdämmerung de Wagner. Ópera estrenada el 17 de agosto de 1876.


>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>


Puccini
A finales del siglo XIX nace lo que se denominaría en la historia de la ópera el "Verismo", palabreja que tiene su etimología en la  palabra italiana "vero", algo así como real o verdadero. El Verismo es un movimiento musical que está emparentado con el realismo literario, y su pretensión fue reflejar "la vida cotidiana de un modo más real" en sus composiciones operísticas. El entrecomillado anterior viene a cuento, porque las bajas pasiones, las situaciones violentas y las tragedias que reflejan sus obras, pueden ser reales, pero dudo que puedan ser calificadas de cotidianas. Sería una cuestión de estadísticas y en esa época no creo que se llevaran a cabo muchos estudios sociológicos en ese aspecto.
Puccini fue verista a medias, pero sin duda su ópera "Tosca" lo es, y su final ilustra su sentido trágico de la vida, propio de este movimiento musical, y el tremendismo que reflejaban las obras de esta escuela, con un romanticismo precursor del convulso y conflictivo siglo XX.  

Final de Tosca de Puccini. Ópera estrenada el 14 de enero de 1900.


<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

jueves, 5 de diciembre de 2013

LA ÓPERA: UN TANGO Y UN BOLERO


Según palabras de algunos interpretes y algún didáctico de la ópera, la técnica de canto aplicable a cada obra es la misma, lo que cambia es el estilo de cada compositor.
Algo de verdad tiene que haber en esta afirmación, porque no es lo mismo cantar un tango, un bolero, una jota o una canción ranchera, cada uno requiere su estilo propio y eso lo deberían saber los que se dedican al arte cantar y se especializan en cada una de sus variedades.
Lo que viene a continuación no tiene ninguna base musical ni científica, es solo una manera, espero que inofensiva, de diferenciar los distintos tipos de canto que se puede uno encontrar en las óperas, según quienes sean sus autores, con mucha imaginación y muy poco rigor.
A Verdi lo asocio con un tango, por esa manera de arrastrar a la orquesta que tiene su canto…Me gustan los tangos “arrastraos”.
La melodía de un bolero me transporta a Bellini, conocido por ser el “rey de la melodía”, ¿hubiera compuesto hermosos boleros?...nunca lo sabremos.
A Rossini lo ligo a una jota (aragonesa), por ese aire festivo y ese ritmo que va "in crescendo" , con el peligro de causar cierta saturación de tanta exhibición vocal.
Hay algo en algunos pasajes de la trilogía Tudor de Donizetti que me rememoran a una ranchera, por esas frases de autentico desgarro que requiere su canto…Dolor y mucho despecho.
Wagner y la redención, esa carga espiritual que desprenden sus textos versificados y la patina religiosa o mística que sobrevuela en algunas partes de su música, me llevan a una saeta, apreciándola en su contexto, del mismo modo que se venera a Wagner en su santuario de Bayreuth.
A Mozart por el estilo puro y limpio que requiere su canto, lo asocio a una nana, pulcritud y sencillez es todo lo que se requiere…Igualito que en una canción de cuna.
Strauss (Richard) va asociado vocalmente a Mozart, si se canta bien a este, se suele dominar el estilo “straussiano”. Una afinación perfecta es la requerida para brillar en ambos estilos. A Strauss lo asocio al fado por la peculiaridad de su canto, cuya afinidad se tiene o no se tiene, no hay trampa posible.
Por todo lo anterior ya he pedido hora en el confesionario, ya que la demanda se ha incrementado últimamente para expiar culpas. La diferencia es que en mi caso, solo me perjudico a mí mismo, aunque pueda herir susceptibilidades…Poca cosa si se compara con otras expiaciones.

Algunas muestras musicales de lo aquí expuesto...Hay que poner un poco de imaginación, pero requiere muy poco esfuerzo y nada de ortodoxia.

Anna Netrebko canta "D´amor sull´ali rosee" de "Il Trovatore" de Verdi...Un tango.



Juan Diego Florez canta "A te, o cara" de "I Puritani" de Bellini...Un bolero.



Callas canta "Coppia iniqua" de "Anna Bolena" de Donizetti. Grabación en vivo...Una ranchera.



Barbara Bonney canta "Giunse alfin il momento...Deh vieni non tardar" de "Les Nozze de Figaro" de Mozart...Una nana.



Barbara Bonney y Anne Sophie von Otter cantan "La Presentación de la Rosa" de "Der Rosenkavalier" de Richard Strauss...Un fado.


         
Samuel Ramey canta " La Calunnia" de "Il Barbiere di Siviglia" de Rossini...Una jota aragonesa.  
  


Siegfried Jerusalem en "Parsifal" de Wagner. Final de la obra. Festival de Bayreuth 1980...Una saeta.

miércoles, 6 de noviembre de 2013

LA VALQUIRIA. Palau de les Arts. 3/11/2013. UN MEMORÁNDUM



En su momento se anunció la reposición completa de la Tetralogía de Wagner para celebrar su bicentenario, pero la falta de presupuesto ha dejado reducida esta celebración a la Valquiria, la más popular de las jornadas y que, por sí sola, tiene la suficiente entidad para ser representada independientemente del ciclo completo.
Este  montaje de La Fura tuvo en su momento una repercusión considerable y supuso un hito en la consolidación del Palau de les Arts, situándose en el punto de mira de muchos aficionados tanto a nivel nacional como internacional. El impacto y las gratas sensaciones que me causaron las representaciones a las que pude asistir en años anteriores de este mismo montaje, me acompañaron en aquellos días y tengo que decir que en esta ocasión no me abandonaron en ningún momento. Iba entregado y salí trastocado. Las "circunstancias" pudieron conmigo y la música de Wagner hicieron el resto. Su poder hipnótico y adictivo hizo su efecto y solo tuve que dejarme llevar...y me dejé.


La pareja de welsungos, Nikolai schukoff (Siegmund) y Heidi Melton (Sieglinde), no tuvieron su mejor momento en el primer acto, la cosa mejoró en los siguientes y consiguieron que mi entrega siguiera intacta.
Stephen Milling con voz rotunda y potente contribuyó a que mi entrega se incrementara. Un plus como Hunding.
Al Wotan de Thomas Johannes Mayer le faltó color en la voz y resistencia fisica, lo que le provocó un cierto agotamiento en su despedida del último acto, pero ese mismo agotamiento hizo que lo sintiera más padre y más humano. Me llegó a conmover...Se apoderaron de mi las "circunstancias".
Elisabeth Kulman estuvo en su papel por voz y visión del personaje; quizás me cautiven más las voces un poco más oscuras para Fricka, pero sin duda me sedujo y mi entrega fue a más.
Jennifer Wilson no deslumbró con sus agudos como lo hizo en los años anteriores, pero con su acercamiento al personaje lo compensó y la sensación es que sigue siendo una Brünnhilde muy estimable. En el último acto ella junto con Wotan hicieron que mi entrega fuera total.
El resto de valquirias, Eugenia Bethrncourt, Bernadette Flaitz, Julia Borchert, Pilar Vázquez, Julia Rutigliano, Patrizaia Scivoletto, Nadine Weissman y Gemma Coma-Alabert, no lograron que la celebre Cabalgata sonara como en otras ocasiones, pero creo que la cosa puede mejorar en las sucesivas funciones. Un mal menor que momentáneamente me hizo salir de mi estado de sumisión. Afortunadamente no tardé en recuperar mi placentera entrega.
La versión de Zubin Mehta fue más acertada en las partes líricas que en las heroicas, lo que yo personalmente y dado mi estado de predisposición agradecí. El abuso de decibelios en determinados momentos me sacudieron un poco, pero él y la orquesta titular, y después de comprobar aliviado que seguía sonando de maravilla, fueron unos de los responsables del cúmulo de sentimientos que me hicieron salir...trastocado.


El sentido del espectáculo de La Fura dels Baus para escenificar esta Valquiria, bajo la dirección de Carlos Padrissa en su momento y que para esta reposición asumió Alex Aguilera, sigue siendo impactante. Es muy eficaz para narrar la historia y no se pierde en demasiadas interpretaciones del texto y las que hay se integran sin distorsionar la comprensión del drama.
Al ser conocedor de lo que iba a ver el aliciente estaba en lo que iba a escuchar y aquí es donde entran en juego "las circunstancias": las que fueron, las que son y sobre todo las que serán. Todo esto hizo que la despedida de Wotan al final de la ópera me llegara de forma especial.
La predisposición a entregarme valió la pena y si salí trastocado fue debido, también, a las malditas "circunstancias".

sábado, 26 de octubre de 2013

LA TRAVIATA. Palau de les Arts. 24/10/2013. UN HOMENAJE A VIOLETTA VALÉRY



Este comentario se basa en la función del jueves 24 de octubre. Sobre lo ocurrido el día del estreno ya se ha hablado mucho en medios impresos y digitales y las torticeras alegaciones de "normalidad" ante un "imprevisto" no han calado mucho en la opinión de los que vivieron la situación y sufrieron de todo lo contrario: la falta de previsión ante una anormalidad que se sabía que podía ocurrir.

En esta segunda función a la que asistí, sí que discurrió todo con absoluta y excelente "normalidad". Tanto Jessica Nuccio como Aquiles Machado en sus respectivos papeles de Violetta Valéry y Alfredo Germont y que sustituían por enfermedad a los interpretes previstos inicialmente, han puesto el listón muy alto y mucho tendrán que esforzarse Yoncheva y Magrì, si logran superar sus dolencias y cantan en las nuevas fechas anunciadas, para hacer olvidar a sus sustitutos.
Esta contemporánea visión del personaje de Violetta, hace que tenga que enfrentarse, con total premonición y desde el comienzo, a sus ultimas horas de vida y a una sociedad masculina e implacable, que solo le produce incomprensión, rechazo y un acuciante sentimiento de soledad. La redención vendrá en el último acto, aunque, como ella misma dice: ya es tarde.
Plasmar la evolución del personaje de Violetta siempre es un reto, pero mucho más en esta producción, donde ella es el constante foco de atención y Jessica Nuccio lo consiguió. En el primer acto estuvo solvente con algún apuro en el comprometido "Sempre libera", pero en el segundo y tercer acto convenció plenamente, transmitiendo con voz segura y un comunicativo fraseo toda la vorágine de sentimientos a la que se ve sometida. Con un intencionado y emotivo "Addio del passato", donde casi se le quiebra la voz, remató una muy meritoria labor, que dada su juventud, hace vislumbrar un futuro prometedor.
Aquiles Machado fue convocado pocos días antes, lo que dobla el merito de implicarse en esta producción de la manera en que lo hizo. Su personaje de Alfredo, sometido aquí a vejaciones (bofetón incluido) y mofas varias, se lo curró con total entrega física y vocal. Su voz sigue siendo hermosa y la proyectó con mayor seguridad que en otras ocasiones. Un lujo haber asistido a su única intervención en esta Traviata.
Simone Piazzola fue una grata sorpresa, su Giorgio Germont fue un tanto exhibicionista vocalmente, pero por su canto y su voz se ganó al publico. Compuso un padre más autoritario e implacable, tal como se le requería en esta ocasión, pero también compasivo, asumiendo la tragedia que provoca con su comportamiento. Un barítono verdiano prometedor.
Completaron el reparto, entre otros, María Kosenkova como Flora Bervoix, Cristina Alunno como la fiel Annina, Mario Cerdá en el papel de Gastone, Javier Franco como Barón, Maurizio Lo Piccolo representando al Marques y todos ellos contribuyeron a que la "normalidad", esta vez sí, imperara en la representación.
Mención extra para el veterano bajo Luigi Roni en la interpretación del doctor Grenvil que solo canta en el ultimo acto, pero está presente en toda la obra acompañando a Violetta en sus horas bajas hacia su irremediable final. Este papel ya lo estrenó en el Festival de Salzburgo en el 2005, lugar y año en el que Willy Decker gestó esta admirable producción. De Nederlandse Opera de Amsterdam adaptó la misma producción a las medidas más convencionales de un teatro de ópera y es la que se representa actualmente en Les Arts bajo la dirección de Meisje Barbara Hummel.
La primera guinda de esta excelente versión que tuvo esta Traviata la pusieron el coro y la orquesta titulares del teatro que siguieron demostrando, contra viento y marea, que están a un altísimo nivel y la segunda la puso Zubin Mehta, con una versión redonda, matizada, vibrante y emotiva, perfectamente concertada y sabiendo acompañar a los cantantes para que todo fluyera con naturalidad. Otro lujo.


A esta producción se la ha calificado de elegante y minimalista, totalmente de acuerdo, y yo añadiría que es feminista y algo conceptual. Eficaz en su lado narrativo y planteada desde una visión actualizada de los personajes, intentando hacerlos mucho más próximos y reconocibles vistos con la mentalidad de la sociedad actual...Cruel es la mofa a que son sometidos tanto Alfredo como Violetta en la fiesta del segundo acto en casa de Flora Bervoix.
Un directo y novedoso homenaje a Violetta Valèry tal y como era la pretensión de Willy Decker con su original propuesta.

sábado, 15 de junio de 2013

LA ÓPERA. Una banda sonora de los acontecimientos (8)



Octava entrada para enlazar la actualidad y la ópera como banda sonora. El tema candente de los pactos PP y PSOE cara al próximo Consejo Europeo y sobre algunos temas más, la preocupante situación económica y la penosa espera hasta que la dejemos atrás...

LOS PACTOS
Para un pacto hace falta por lo menos que dos se pongan de acuerdo, pero cuando se trata de un pacto de Estado la cosa cambia. Los grupos que integran la Cámara son más de dos y cuando el pacto se produce solo entre los dos principales grupos, al ser requeridos los restantes para que se integren en algo en lo que no han participado, ha ocurrido lo que parece lógico, que aleguen que ellos también tienen algo que decir y que de unirse al pacto a toro pasado nada de nada. Algo se ha hecho a medias y ahora toca rectificar, lo que hace pensar en las verdaderas intenciones del pacto PP-PSOE y si solo se trata de un lavado de imagen cara a la opinión pública y de paso, elevar su particular valoración como las verdaderas fuerzas en la alternancia del poder ante la perdida de credibilidad frente a sus votantes.
Como podemos ver y escuchar en estos dos vídeos se reflejan dos supuestos pactos, ya que en ambos dúos, los dos protagonistas acaban cantando el mismo texto y el fin último es conseguir un mismo objetivo...lo que varía son las intenciones al alcanzar tal grado de entendimiento en cada uno de los casos...

En el Don Carlo de Verdi se consigue basándose en la amistad que le profesa Rodrigo, el respeto mutuo y la intención de apoyarse mutuamente ante la evolución de los acontecimientos...




En el Otello de Verdi son las intenciones de uno de ellos (Jago) lo que hace que el entendimiento sea totalmente contraproducente...




PREDICCIONES ECONÓMICAS
Las últimas previsiones económicas para nuestro país, tanto por parte del gobierno como por las distintas instituciones europeas y mundiales, son tan dispares que más parecen predicciones de futurología dignas de autenticas hechiceras, que estudios realistas sobre la evolución de nuestra maltrecha economía.
No sería la primera vez que tienen que rectificar e incluso reconocer que han cometido errores, cuyas consecuencias ya las estamos padeciendo en nuestra vida cotidiana.
Así las cosas, solo nos queda esperar que las que son más positivas sean las que acierten en sus previsiones.
En este vídeo de Un Ballo in Maschera de Verdi, la hechicera Ulrica predice los dramáticos acontecimientos que se sucederán en la ópera, por lo que resulta muy apropiado como banda sonora para el tema motivo de esta reflexión. Lo más curioso es que tiene la visión de una mujer como la causa de las desdichas que sufrirán los diferentes protagonistas...lo que no es capaz de predecir, es si esta mujer se dedica a la política y es canciller...




LUZ AL FINAL DEL TÚNEL
La esperada llegada de esa lucecita que se divisa cuando dejamos atrás un largo túnel se está haciendo esperar. Las medidas impuestas por Europa y adoptadas por el gobierno no están dando resultados inmediatos, nos piden paciencia y la ansiedad se hace más presente esperando ese momento en que las circunstancias cambien y podamos recuperar algo de la dignidad que nos han sustraído recortando derechos e imponiendo nuevas obligaciones en contra del fin último de la política...el bien común y no los criterios injustamente partidistas.
En este caso la banda sonora la aporta Fidelio de Beethoven, una ópera que denuncia los abusos de poder y pone de manifiesto el triunfo de la justicia y la libertad...este estupendo coro muestra la felicidad que sienten los que desde hace tiempo han sufrido estos abusos y recuperan algo de la dignidad perdida...

miércoles, 5 de junio de 2013

LA ÓPERA. Una banda sonora de los acontecimientos (7)



En esta septima entrada, es Rossini el que aporta su fino humor y su dominio de la ópera bufa para ilustrar como banda sonora la actualidad que marcan los acontecimientos...estos mismos acontecimientos que como se puede ver más arriba pueden llevar a la desesperación...

LA REFORMA DE LAS PENSIONES
Un lío es lo que han conseguido hacer con el calculo de las pensiones ese grupo de "expertos y sabios" a los que el gobierno les ha endiñado el papel de los malos de la película. Apelando a su "sabiduría", capaz de crear argumentos un tanto dudosos, conseguirán el fin último...hacer más precarias las pensiones.
Con la excusa de la crisis, que hay que recordar que no la han creado los que más la sufren, se va a traspasar la celebre "linea roja" aplicando una fórmula digna de un premio Nóbel de matemáticas para bajar las actuales pensiones y crear tal embrollo, que hoy por hoy es imposible saber la cuantía de las futuras.
Rossini en esta escena de "La Cenerentola" insinúa la situación creada con la supuesta reforma de las pensiones con total "clarividencia"...




A LA CHITA CALLANDO Y POQUITO A POQUITO
El gobierno, pasito a pasito, esta desmantelando lo poco que queda ya del estado de bienestar. Quedan algunos años de legislatura y algunos más para salir de la crisis, con lo que ya se tiene la excusa perfecta para seguir recortando, que no es lo mismo que eliminar gastos superfluos y seguir perjudicando a las clases más débiles de la sociedad. Insaciables en la aplicación de estas medidas (que tan poco miden las consecuencias), tanto las instituciones europeas como los responsables de legislar en nuestro país, acatando lo que haya que acatar, están consiguiendo empobrecer este país nuestro y lo que es peor, destruir la clase media ampliando los extremos entre los que más y los que menos posibilidades tienen de subsistir.
De nuevo Rossini y su "Cenerentola" ilustran musicalmente los acontecimientos..."zitto, zitto, piano, piano"...




EL LIMITE DE LA RESISTENCIA
Los signos de la situación siguen siendo preocupantes y los que cada vez alzan más la voz para pedir un cambio de rumbo van en aumento. Los límites de la sensatez se están traspasando y ni los responsables de que esto cambie se ponen de acuerdo. El tema de las pensiones empieza a caldear el ambiente y los limites de la resistencia peligran, es lo que pasa cuando la paciencia que se ha sugerido se desmorona...y ya se sabe que cuando esto sucede produce lo que se conoce como "acción-reacción".
Los gobiernos, tanto el nuestro como los de los países que integran ese ente que llaman "la Europa del euro", siguen resistiéndose a un cambio de rumbo de sus medidas económicas, negándose a escuchar los clamores que requieren la urgencia en la aplicación de dicho cambio.
Esta vez es el Conde de Almaviva en "El barbero de Sevilla" del mismo Rossini el que pone "en solfa" los limites de la resistencia...    .




domingo, 2 de junio de 2013

OTELLO DE VERDI. Palau de les Arts. 1/6/2013. LA ESPIRAL DE LOS CELOS




VI Festival del Mediterrani. Otello (Verdi). Palau de les Arts. 1/6/2013
Gregory kunde / Maria Agresta / Carlos Álvarez / Marcelo Puente / Mischa Schelomianski / Mario Cerdá
Seung Pil Choi / Cristina Faus / Boro Giner
Dirección de escena e iluminación Davide Livermore
Escenografía Davide Livermore / Giò Forma Production Design
Vestuario Mariana Fracasso / Davide Livermore
Escolanía de la Mare de Deu dels Desamparats. Director Luis Garrido 
Coro de la Generalitat Valenciana. Director Francesc Perales
Orquesta de la Comunitat Valenciana. Dirección musical Zubin Mehta
------------------------------------------------------------------------------
Un preámbulo al estreno con presencia institucional, tanto local como estatal: la responsable y el implicado en este Festival del Mediterrani ya lo hicieron, y ayer fueron los trabajadores los que reclamaban más participación efectiva de las instituciones para salvar, en este caso, su precaria situación y la continuidad de lo ya conseguido con este proyecto en el caso de los primeros. Esperemos que la citada presencia sirva para conseguir estos objetivos.


Un escenario circular único para reflejar la "espiral de los celos" y un núcleo con movilidad para crear el marco donde se desenvuelven las principales situaciones de la trama. Esta es la propuesta escénica que Livermore ha creado para llevar a cabo sus ideas del Otello de Verdi. Ideas que funcionan en lo teatral e impactan en lo visual. La relación de la pareja de amantes adquiere un tono más erótico en el dúo del primer acto y Desdemona lo pone de manifiesto en su gran escena con la que se inicia el ultimo, donde en su ensoñación adopta una postura receptora de quien es su objeto de deseo. Quizás en el empeño de actualizar la acción, se refuerza la idea de la relación física como elemento que puede llevar a un desenlace tan visceral, haciendo notorio el alejamiento físico en la conclusión de la escena final. 
En el momento del aria "Dio mi potevi", Livermore sitúa a Jago en un plano superior imitando los gestos de Otello mientras este desgrana sus torturados pensamientos, lo que define, aún más si cabe, la pérfida personalidad del intrigante alférez. El director italiano se apunta otro tanto más en su segundo trabajo escénico para el Palau de les Arts, ayudado por el juego de iluminación y demostrando que la falta de presupuesto puede ser un acicate para la imaginación al servicio del juego teatral.
En el apartado de vestuario no siempre se acertó, estando su lado más negativo en el asignado al coro. Los protagonistas principales tuvieron mejor suerte en este aspecto.


Con referencia a la parte musical y vocal se consiguió sacar adelante la obra con un alto nivel de excelencia con algunas consideraciones muy marginales que no consiguieron deslucir un espectáculo sobresaliente en muchos sentidos.
Kunde compone un Otello muy personal, su experiencia belcantista le permite cantar todas las frases con pleno dominio de la voz, atractiva y punzante en los fortes y matizada en las medias voces, llevando al Moro a su terreno y consiguiendo un triunfo ratificado con una merecida ovación, aún no teniendo la voz que se supone es la adecuada para representarlo, su Otello convence plenamente.
Agresta demostró sus dotes verdianas por voz, estilo y dominio del canto y su Desdemona fue un recital de belleza vocal en todos los tramos de la tesitura que requiere su parte.
Carlos Álvarez regresaba con un papel comprometido después de su interrumpida carrera por los problemas con sus cuerdas vocales. Compuso un Jago espléndido, cantando sus frases con la voz verdiana que le aupó a lo más alto, se quedó un poco corto en el "Credo" donde se pudo detectar un pequeño contratiempo vocal, que no empañó el resultado final. Se emocionó al recibir el aplauso del publico, y no es para menos después de su larga recuperación...quizás papeles más ligeros le ayuden en esta travesía.
Marcelo Puente cumplió como Cassio sin especial relevancia, que sí la tuvo la actuación de Mario Cerdá como Roderigo, que se va afianzando como un valor a tener en cuenta en próximos retos que se le presenten. Destacable también Cristina Faus en su corto cometido como Emilia, como demostró en su intervención en el concertante con el que concluye el tercer acto y en la parte final de la ópera. Los niños componentes de la Escolaía sin destacar especialmente cumplieron con su intervención. Tanto el Lodovico de un dicreto Schelomianski, el Montano de un eficaz Pil Choi, como el Heraldo de Boro Giner fueron resueltos con mayor o menor oficio.
El excelente coro titular estuvo magnífico por empaste e implicación, con alguna leve estridencia en el inicio de la obra, perfectamente corregible en las sucesivas representaciones.
La orquesta emblema de nuestra comunidad que tan altas cuotas de excelencia ha adquirido en todo este tiempo, sonó admirablemente bien, pero habrá que poner algo de empeño en mantener esas altas cotas...
La dirección de Mehta fue eficaz, solvente y contrastada. Eficaz acompañando y concertando, solvente en la  respuesta que consigue de la orquesta y contrastada, quizás en exceso, lo que le restó un punto de unidad al discurso dramático, no impidiendo que su sabiduría le llevara a un balance final muy satisfactorio.
Una gran velada operística que debería hacer pensar a los ilustres invitados, que un esfuerzo de este calibre con unos resultados tan notables, bien merece ser tenido en cuenta a la hora de repartir compensaciones.

Recomiendo leer las opiniones de estos blogs:
* El blog de Atticus
* El blog de Maac
* In Fernem Land
* Ya nos queda un día menos
* Vicino al tono

jueves, 30 de mayo de 2013

LA ÓPERA. Una banda sonora de los acontecimientos (6)



Para esta sexta entrada de mi particular banda sonora de los acontecimientos, recurro a Verdi como celebración (una vez más) del bicentenario de su nacimiento. Los asuntos son serios, pero un pequeño toque de ironía es necesario para no acabar atiborrado de pastillas (legales) para soportar la realidad...

LA VUELTA DE AZNAR (1)
Hay algunos que aplauden su vuelta pero lo cierto es que sus últimas comparecencias públicas han armado cierto revuelo en el PP y en el gobierno. Las razones que alega Aznar para esta supuesta vuelta a la primera linea de la política cumpliendo con "su responsabilidad, su conciencia, su partido y su país", le dan cierto carácter heroico a sus propósitos, algo así como el guerrero que sacrifica su vida por salvar a la patria. No me extraña que este alarde de ego superlativo haya hecho crecer los escépticos en torno a sus objetivos.
Realmente no es muy creíble y más parece un amago de intenciones, un tanto oscuras, para contrarrestar los últimos datos de las encuestas, nada favorables ni para el gobierno ni para su partido que lo compone.
Para los que se muestran entusiasmados con su vuelta, dejo en este vídeo una manifestación de sentimientos encontrados ante el retorno del héroe tras la victoria sobre los enemigos de la patria...hay que decir que es un tanto engañoso (como el asunto que nos ocupa) ya que la que aparece en escena es Sophia Loren, la que le presta su voz es Renata Tebaldi y lo que canta es de Aida de Verdi...




LA VUELTA DE AZNAR (2)
Hay otros, la mayoría, que dicen o insinúan que su vuelta no sería de recibo, que el pasado se va para no volver, que lo que conseguiría con ello es crear un cisma en su propio partido y que sus palabras lo que han provocado es un "daño a la credibilidad del gobierno, a su presidente y a la estabilidad de su partido", achacándole una total "falta de lealtad" al que él mismo nombró su sucesor...ya se verá como evolucionan los acontecimientos.
Nada mejor para poner la banda sonora que este vídeo de "La Traviata" donde Violetta presiente que su pasado...pasado está.
Por si alguien no lo sabe, María Callas (la que canta) contribuyó a su mito retirándose cuando le llegó el momento de hacerlo...    




LA NUEVA EMIGRACIÓN
El gobierno intentó mitigar los nefastos efectos del elevado número de jóvenes en paro en España, viéndose obligados a salir fuera a buscarse la vida, con aquellas alegorías al "espíritu aventurero" y a la "movilidad geográfica". Puede que algunos echen mano de ese espíritu, pero la mayoría se van ante la falta de oportunidades, la ausencia de medidas o el fracaso de las que se han intentado aplicar.
Difícilmente se puede alegar este "espíritu aventurero" a los no tan jóvenes que también se ven obligados a cruzar nuestra frontera en busca de alguna oportunidad tras la pérdida de sus trabajos y la ausencia total de esperanza en encontrar alguna alternativa para ganarse el sustento.
Para ilustrar la desazón que producen estos acontecimientos y demostrar que abandonar tu país en busca de oportunidades no es ninguna panacea, aquí os dejo este vídeo con la melancólica aria "O patria mia"...de nuevo la célebre Aida de Verdi...la gran Leontyne Price pone la nota nostálgica...



martes, 28 de mayo de 2013

OTELLO DE VERDI. Un par de curiosidades.


Dos curiosidades que surgen escuchando Otello: una inspiración del propio Verdi que le valdría para la elaboración de su última obra escénica y un paralelismo musical del mundo oriental que Puccini creó posteriormente para su Turandot...¿son sólo sensaciones o hay algo de realidad?...


¿Es esta escena de Yago un antecedente musical de lo que sería posteriormente Falstaff?.
Verdi parece estar creando la base para la que fue su gran última obra para la escena...curioso, al tratarse Otello de una ópera dramática y Falstaff de una comedia...




El trío del tercer acto es otro de los momentos donde se percibe el germen de lo que sería Falstaff...




En el célebre "Credo in un Dio crudel" de Yago del acto II hay 14 segundos (de 0.30 a 0.44) que la música nos lleva al Turandot de Puccini...esta sensación se repite más adelante durante 11 segundos (1.35 a 1.46)...



lunes, 27 de mayo de 2013

OTELLO DE VERDI. La ley de los celos



Verdi consiguió con su penúltima ópera, basada en la tragedia de Shakespeare, culminar lo que tanto perseguía con sus últimas obras, alejarse de los parámetros que habían imperado en la ópera italiana y crear un auténtico drama musical. Texto y música se entrelazan teniendo su particular protagonismo en el discurso dramático. Lograr que una tragedia pueda llegar a conmover es la aportación de Verdi con su estimulante y magnífica partitura.
Algo tan terrenal y mundano como los celos son el tema principal de la obra del dramaturgo inglés que Arrigo Boito consigue condensar en lo esencial en su excelente libreto, cuya calidad estimuló a Verdi para lograr lo que buscaba ya en sus últimas óperas, que el continuo discurso musical tenga su relevancia en la narración dramática y sus personajes.
Los tres protagonistas principales, Otello, general de la armada veneciana, Yago, su alférez y Desdémona, la  enamorada y sufridora esposa del general, son las víctimas de esta tragedia, Yago lo es de sí mismo y de su ambición e inocula el veneno de los celos sembrando la duda en Otello, su primer damnificado, provocando que Desdémona sea la inocente víctima de ambos, sufriendo las consecuencias de la inseguridad y enajenación de su consorte.