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lunes, 3 de abril de 2017

'LUCREZIA BORGIA' DE DONIZETTI. Palau de Les Arts 1/abril/2017... 'EL VENENO DE LA ÓPERA'


Por un juego del destino asistí a la función del 1 de abril de 'Lucrezia Borgia' de Donizetti, que en la temporada vigente se representa en el Palau de Les Arts, y ese mismo día se procedía a retransmitir en 'streaming' dicha función, siendo la primera vez que este tipo de difusión se realizaba desde este teatro de ópera. La jugada fue perfecta, porque no solo disfruté de una velada para el recuerdo, sino que me han concedido el placer de poder revivir la experiencia gracias a 'The Opera Platform' y a otras páginas que difunden el vídeo de esta destacable noche de ópera.
Es una obra que requiere de cuatro voces protagonistas y unas cuantas más en papeles secundarios que tienen su peso en la narración de la trama. Son todas voces masculinas menos la de la protagonista y la voz del personaje, travestido, de Orsini. Esta premisa hace que cada aparición de la soprano que se enfrenta al papel de Lucrezia, tenga un especial relieve. Donizetti ya se encarga de hacer el resto, para destacar cada una de sus apariciones.




La encargada de dar este 'especial relieve' en esta producción de Les Arts fue Mariella Devia, veterana artista que conserva un dominio de la voz para estas lides del bel canto, que se puede calificar como un prodigio de la naturaleza en esta etapa de su carrera. Es muy loable la inteligencia con la que maneja sus medios vocales para, sin forzar su instrumento, transmitir los estados de ánimo a la que le somete esta partitura. Estuvo sublime aunando belleza en el canto, tal como se requiere en estas obras, y expresividad a la hora de transmitir el texto. Una lección de estilo y un placer para los sentidos.
El conjunto de voces reunido para la ocasión fue muy homogéneo lo que contribuyó a que el nivel de lo escuchado fuera muy notable. Así lo fue la intervención de Marko Mimica como Don Alfonso, consorte de Lucrezia, tanto por la presencia como por la voz. Su papel de villano vengativo y manipulador lo resolvió con seguridad. Se lució en su aria y dio una estimable réplica en su dúo con Lucrezia del primer acto.
El papel de Maffio Orsini le viene como anillo al dedo a Silvia Tro Santafé, con un registro amplio y sonoro y estuvo perfecta en su rol de amigo y cómplice de Gennaro.
La intervención de William Davenport fue algo más plana, dando síntomas de alguna peculiar inseguridad en la emisión de la voz, atractiva por otro lado, pero le faltaron esos pequeños matices que algunas frases requieren para redondear su labor. Su participación estuvo más cerca de un Nemorino que de un héroe afligido y romántico, aunque en esto también tuvo algo que ver la idea del director de escena. 
Acierto pleno en los elegidos para los papeles secundarios que pusieron su granito de arena para que la velada llegara a buen fin. Rustighello, hombre de confianza de Don Alfonso, fue interpretado por Moisés Marín. Los dos personajes más próximos a Lucrezia, Gubetta y Astolfo, fueron defendidos por Andrea Pellegrini y Michael Borth respectivamente y los cuatro restantes amigos de Gennaro fueron cantados por Fabián Lara, Alejandro López, Simone Alberti y Andrés Sulbarán, dando vida correspondientemente a Liverotto, Gazella, Petrucci y Vitellozzo. 




El responsable de la dirección de escena es Emilio Sagi. La escenografía es de Llorenç Corbella. El vestuario ha sido diseñado por Pepa Ojamguren y la llamativa iluminación es de Eduardo Bravo.
El montaje es muy vistoso y facilita la narración de la trama. La escenografía ha sido definida por sus propios creadores como abstracta e intemporal, con un juego de luces y colores de bella factura y un vestuario que se integra a la perfección con dicha definición. Hay que destacar el color rojo del atuendo de Lucrezia en la última escena de la ópera, resaltando con acierto su entrada en escena y su importancia dramática.
Sagi da sus toques teatrales no exentos de intención, como ese vaivén de las letras que transcriben el nombre de 'BORGIA' al que son sometidas por parte de Don Alfonso, dejando constancia de la lucha de poder que supone estar casado con una Borgia. Ese 'estar en las nubes' de Gennaro, un tanto naif, implicado con su maqueta y que todo le sobreviene muy a su pesar. Y su toque más personal, el carácter ambiguo que le da a la relación de este con su gran amigo Orsini, con ese beso que le roba a Gennaro durante su dúo del segundo acto.    
El resultado es atractivo, brillante, práctico para narrar los hechos y algo que también es importante, eficaz para la proyección de las voces.




La orquesta de la Cominitat Valenciana, sonó algo diferente a lo que en ella es habitual. Fabio Biondi, con su bagaje historicista de la música barroca, le dio un sonido más pulcro y claro, algo más transparente y adaptándolo a las exigencias del bel canto. Esto supuso una presencia con menos afán de protagonismo, dejando fluir las voces y acompañándolas con mimo. El resultado fue pragmático, funcional y meritorio. con notables aciertos como el concertante final del prólogo, y la absoluta compenetración con Devia en su aria de inicio y en su cabaletta del final de la obra. 
El coro de la Generalitat Valenciana, con preponderancia de las voces masculinas, estuvo a la altura esperada, aunque su participación en esta obra no es tan 'preponderante' como en otras ocasiones.   

No es la primera vez que Biondi se adentra en los terrenos del bel canto italiano decimonónico. Ya lo hizo, en años anteriores, en el Palau de la Música de Valencia con sus versiones en concierto de las óperas: Anna Bolena del mismo Donizetti y Norma de Bellini. Siempre es un aliciente añadido escuchar lo que un especialista en Vivaldi como él, puede aportar a este estilo operístico tan alejado del Barroco.

La conclusión es que la primera retransmisión en 'streaming' desde el Palau de Les Arts, ha sido una oportunidad, muy bien aprovechada, para dar a conocer y consolidar la positiva labor que se está realizando desde este, para algunos estamentos estatales, 'contenedor de óperas'... Una buena ocasión para inculcar 'el veneno de la ópera' con 'el veneno de los Borgia'...

http://iopera.es/lucrezia-borgia-de-donizetti-en-les-arts/
Copiando esta URL se puede disfrutar de la representación e incluso guardar para los archivos...

domingo, 26 de marzo de 2017

HOY SE ESTRENA 'LUCREZIA BORGIA' DE DONIZETTI EN LES ARTS

Lucrecia Borgia (supuesto retrato en
La disputa de Santa Catalina, de Pinturicchio)
'Lucrezia Borgia' de Donizetti se estrena hoy en Les Arts. La visión que se puede tener de la auténtica Lucrecia de Borja, de estirpe valenciana, está cargada de leyendas y cuentos amorales que han hecho de esta mujer todo un personaje. Un personaje falto de ética, cruel y pérfido, cargado de especulaciones y objeto de múltiples legados literarios y cinematográficos.
Donizetti y su libretista, Felice Romani, se inspiraron en la obra de Victor Hugo para crear un melodrama de corte trágico, en el que se prescinde de otros aspectos más libidinosos de la supuesta vida de la hija del Papa Alejandro VI, y se centran en su enfrentamiento como madre en el devenir de la trama. En el prólogo ya queda expuesta la perversa fama y el perfil siniestro que la acompaña. En los dos actos que siguen se relata su funesto y maternal destino.
En esta ópera belcantista y romántica por excelencia, no hay una historia de amores pasionales y desencuentros al uso, hay un conflicto entre el amor hacia un hijo secreto y los celos y el deshonor por las falsas interpretaciones de ese amor, lo que lleva a la protagonista a un desenlace no deseado.
En el bel canto se corre el riesgo de que las 'cabalettas', que son propias de dicha corriente operística a la que Donizetti se entregó con esmero, desvirtúen el sentido dramático del texto. El propio Donizetti quería buscar la forma de enfatizar la teatralidad de los personajes con un canto y una música que expresaran los sentimientos y situaciones sin tener que recurrir a ejercicios vocales en busca de la mera exhibición y la belleza en las partes cantadas, y a su vez, que la parte musical no se limitara a un mero acompañamiento a los cantantes. Para entendernos, sería como si nos dieran una mala noticia cantada a ritmo de jota. Los peajes que se vio obligado a pagar el compositor para complacer a los divos y divas de turno y a los gustos del momento, no le permitieron llevar a cabo, del todo, sus intenciones. Como ejemplo está la exigencia de la soprano que cantó en el estreno en La Scala en 1833, Henriette Méric-Lalande, la cual obligó a Donizetti a componerle una 'cabaletta', modificando el final previsto, por puro divismo y de esta manera, finalizar la ópera con una exhibición de sus facultades, más allá del potencial dramático que la escena final requería.

Esta obra se representa poco y no es por demérito de sus cualidades, más bien, es por su dificultad vocal. Cuando surge una cantante con facultades e interés en interpretar el papel se representa, porque no en vano, es una muestra muy interesante de lo que se llamó el belcantismo italiano del siglo XIX. 
El libreto tiene enjundia, esto rueda a su favor, y por otro lado está la labor del compositor de Bérgamo, al intentar que el bel canto y el drama corrieran algo más parejos, sin caer en situaciones insulsas y que a veces pueden rozar el ridículo. El canto florido y ornamentado esta muy bien y es un placer, pero si además hay 'carnaza' mucho mejor para los tiempos actuales.




Este es el equipo que se enfrenta a este reto. La veteranía de Mariella Devia y la valenciana Silvia Tro Santafé, son dos valores seguros y con experiencia, las intenciones de Fabio Biondi crean buenas expectativas y la puesta en escena de Emilio Sagi parece, por lo visto en algunas imágenes, brillante y sugerente. Completan el protagonismo de esta propuesta William Davenport y Marco Mimica.




La absoluta protagonista de esta ópera de Donizetti en Les Arts es Mariella Devia, en el escenario todo gira en torno a ella y su personaje, Lucrezia Borgia, y es de esperar que nos proporcione grandes momentos, como ya lo hizo en la Norma de hace dos años en este mismo escenario.
La veremos y la escucharemos...

jueves, 16 de febrero de 2017

LA TRAVIATA DE VERDI EN LES ARTS. 15/feb/2017... 'NI MÁS NI MENOS'


Que 'La Traviata' es de Verdi no lo pone nadie en duda, pero son tantas las que se han representado, que para distinguirlas hay que ponerles alguna etiqueta. Esta que se exhibe en Les Arts estos días, se la conocerá por estos lares como la de Valentino, más que por la de Sofia Coppola, su directora de escena.
El día del estreno fue un acontecimiento social con alfombra roja incluida. El que hizo acto de presencia y expuso su lustre ante las cámaras fue Valentino Caravani. La ilustre directora de cine, hija del gran Francis Ford Coppola, no se pudo desplazar a Valencia por motivos de agenda.
El nombre del famoso modisto de alta costura aparece, en primer lugar, como corresponsable del vestuario y de la creación de esta producción, así que remitiéndome a los papeles y a los posados, esta 'Traviata' es la de Valentino.



Esta foto que ilustra estas notas, corresponde al 9 de febrero, día del estreno. La función a la que asistí como abonado fue a la de ayer 15 de febrero y los comentarios que siguen hacen referencia a dicha función. El teatro estaba a rebosar y parece que la tónica va a ser la misma en todas las restantes funciones. Un éxito, no sé si debido a Verdi, a Valentino, a Coppola, al intendente Livermore, o a todos ellos juntos y a la repercusión mediática del 'acontecimiento operístico'.



Para mí, esta 'Traviata' será la de Ramón Tebar, por mérito, y la de Marina Rebeka, por ser la protagonista.
Tebar es un buen director de orquesta y lo demuestra cada vez que se pone al frente en el foso de Les Arts. Su 'Aida' del año pasado en este mismo escenario fue para el recuerdo y en estas funciones de 'La Traviata' ha vuelto a demostrar su oficio y su claridad de ideas. Donde no llegaban a transmitir algunas voces lo hacía él con la orquesta, a la que ha hecho sonar en buena forma y consiguió transferir, en su justa medida, la carga de emotividad que conlleva esta partitura.
La Orquesta de la Comunitat y el Cor de la Generalitat siguen dando muestras de su nivel y son un baluarte que siempre hay que tener en cuenta.
La soprano letona supera el papel de Violetta sin problemas técnicos, es una excelente cantante, pero un tanto fría en la expresión. El tercer acto lo resolvió mucho mejor de lo esperado, gracias al acompañamiento que la batuta de Tebar le proporcionó desde el foso.
El Alfredo del mexicano Arturo Chacón-Cruz fue mejorando a lo largo de los actos, pero pasará sin pena ni gloria a los anales de la ristra de enamorados de Violetta que en la historia han sido.
El papel de Giorgio Germont, padre de Alfredo, no es muy largo y eso le permite a Plácido Domingo dar lecciones, aún, de cómo frasear con intención y enfatizar donde toca, sin desfallecer en el intento.


El resto de personajes que intervienen en mayor o menor medida fueron defendidos por integrantes del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo, como ya va siendo habitual en Les Arts, y por algunos componentes del Cor. Entre ellos se puede destacar, por su directa relación en el devenir de la protagonista, a Anna Bychkova y a Olga Zharikova como Flora Bervoix y Annina respectivamente. Todos cumplieron con su labor.
El ballet del segundo acto fue resuelto con el toque de elegancia que presidió todo el montaje. En un intento de no caer en este pasaje de la obra en un mero trámite, se le prestó una especial atención y se resolvió con profesionalidad.  

Toda la producción es de altos vuelos, tradicional, diáfana en algunos cuadros y no exenta de estética. No aporta ese algo más que muchas veces se agradece cuando se está curtido en 'traviatas', ni tiene menos interés para los que no lo están tanto. Es vistosa pero no recargada y fiel al libreto. La escenografía de Nathan Crowley gira en torno al lucimiento de la protagonista y sus atuendos. La impresionante escalera del primer acto no sé si fue idea suya o una imposición de Valentino, para crear una de las imágenes que se quedan grabadas en la memoria. Ver a Violetta Valéry sola, descendiendo la escalinata arrastrando la cola de su vestido, que se desliza por los escalones mientras suena la música al inicio de la obra, tiene impacto y es un buen comienzo, no se puede negar. Lo que sigue ya es más o menos convencional y Coppola o Marina Bianchi en esta reposición procedente de la Ópera de Roma, no aportan ni mucho más ni hacen de menos esta 'Traviata' de Verdi... con toque Valentino.   

Algo que me he cuestionado en esta propuesta de Les Arts para la presente temporada, con toda la parafernalia de altos vuelos que ha llevado consigo, es si su fin es captar fondos mediáticamente sin romper la filosofía defendida por el intendente Livermore, o supone un cambio en la mentalidad de acercar la ópera a todos los públicos sin merma de su visión como arte total y sin perder la intención de hacerla un poco más contemporánea... El tiempo lo dirá.



miércoles, 14 de diciembre de 2016

'I VESPRI SICILIANI'. LES ARTS. 13/12/2016



Sin Elena no hay 'I vespri siciliani'... Esto es lo que parece que se tradujo el día del estreno con la participación de Maribel Ortega, con medios vocales insuficientes para afrontar el papel según han reflejado las crónicas del evento. No estuve ese día, así que me limito a reflejar dichas crónicas.
Yo asistí ayer a la segunda función, en la que cantaba Sofía Soliviy, la otra soprano prevista para sustituir a Anna Pirozzi en estas funciones, tras causar baja por su estado de gestación.
Iba con los ánimos contrariados y salí con cierto disfrute. Hay alicientes suficientes para ello, como el trío masculino de protagonistas, el Cor de la Generalitat, la Orquesta de la Comunitat... y la estimulante producción, en muchos momentos, del intendente de Les Arts Davide Livermore.


Foto E. Moreno Esquibel
El montaje, que actualiza el libreto a nuestro tiempo, es político, con toques irónicos y, aunque muy italiano en su relato, universal. Hay referencias más o menos directas, a los asesinatos de los jueces Falcone y Borsallino, a Berlusconi flotando por el ambiente y a Mediaset con sus 'Mama chicho' también, a la manipulación y control de los medios de comunicación y la violencia como forma de ejercer el poder, al machismo, a la pérdida de identidad y de criterio como resultado de frivolizar la política y la sociedad... Cada uno puede sacar sus propias conclusiones. Las relaciones de los personajes y sus motivaciones están contadas según refleja el libreto, que dicho sea de paso, no era del completo agrado de Verdi. No faltan las diatribas y requerimientos paterno-filiales, de pareja y sus luchas internas entre el amor, el honor, el deber, el deseo de venganza y el perdón, señas de identidad en la gran mayoría de sus obras.
Los toques políticos con la presencia de un parlamento en la escenografía en escenas corales que pueden parecer ridículas, no hacen sino reflejar la realidad parlamentaria y política de los últimos acontecimientos, por estos lares y más allá de los mares, que no dejan de tener un tufillo de ridiculez...
Hay que mencionar la participación de algunos de los integrantes del Ballet de la Generalitat, que pusieron su vistoso granito de arena en esta ópera tan multitudinaria.


Foto E. Moreno Esquibel 
La parte musical estuvo bien servida, aunque con algunas connotaciones...
En lo vocal, el Cor de la Generalitat volvió a dar muestras de su calidad, tanto por empaste y sonoridad como por implicación en la escena.
Gregory Kunde ha cantado muchas veces el papel de Arrigo y hay pocos tenores que se atrevan con él. Con eso está ya dicho casi todo. Aún es capaz de cantarlo con suficientes recursos, incluido un falsete en forte al final de su aria del quinto acto.
Juan Jesús Rodriguez expuso como Monforte su excelente voz de barítono verdiano, al que le faltó matizar un poco más sus medias voces para redondear su labor.
El tercer protagonista masculino en discordia, es Procida, que tuvo en la sonora voz de bajo de Alexánder Vinogradov un buen servidor, luciéndose en su aria de entrada 'Oh tu Palermo'.
La comprometida partitura a la que se enfrentan las arriesgadas que se atreven a asumir el papel de Elena estuvo cantada, en esta ocasión, por la ucraniana Sofía Soloviy. Algún ligero sonido entubado en las notas bajas y el desigual color de voz no impidieron que saliera airosa en las partes dramáticas más comprometidas, y dejara algunas muestras de solvencia en los concertantes y en sus dos peliagudas y más conocidas arias de la parte final, actos cuarto y quinto, por las dos diferentes tipologías de voz que requieren.  
Homogéneos y cumplidores con el resto de personajes de esta obra tan coral. Andrea Pellegrini, Cristian Díaz, Nozomi Kato, Moisés Marín, Andrés Sulbarán, Jorge Álvarez, Fabián Lara en sus respectivos papeles de Il Sire di Berthune, Il Conte Vaudemont, Ninetta, Danieli, Tebaldo, Roberto y Manfredo.
La Orquestra de la Comunitat sonó en buena forma bajo la batuta de un Roberto Abbado, que no llegó a sacar todos los matices de esta partitura a medio camino entre la gran ópera francesa y el melodrama italiano del gran Verdi. Sí concertó y siguió con esmero a los cantantes y tuvo momentos de inspiración, pero el equilibrio y la tensión quedaron perjudicados por algunos excesivos contrastes.

'Elena' puede ser un tema disuasorio, pero como ya he dicho, hay elementos para poder disfrutar de un espectáculo con el que poder llegar a tener buenas, musicales e irónicas sensaciones...



miércoles, 27 de abril de 2016

'IDOMENEO' DE MOZART- PALAU DE LES ARTS- 24/ABRIL/2016... 'UNA ODISEA'


La Odisea, la clásica de Homero, aunque de soslayo, algo tiene que ver con el argumento de esta ópera. La inspiración para este montaje le vino a Livermore, responsable de la puesta en escena, de la otra Odisea, la del '2001', la fascinante obra cinematográfica de Stanley Kubrick. Con esta mezcla de epopeyas llegué a la conclusión que montar esta obra era una odisea..., un reto que se ha saldado con unos resultados notables.
La genial música de Mozart y la genialidad de Kubrick, juntas y algo revueltas, eran un aliciente para asistir a estas representaciones.

La Orquesta de la Comunitat Valenciana dio muestras de su enorme versatilidad. En esta ocasión tenía el reto de transmitir la pureza, la claridad y la luminosidad de la música de Mozart y, al mismo tiempo, integrarse en el desarrollo de los planteamientos dramáticos de la escena. La sonoridad procedente del foso fue muy gratificante.
Fabio Biondi, al frente de la orquesta, hizo una meritoria labor y llevó a buen termino esta monumental partitura. Los recitativos son fundamentales en estas obras. Se notó el trabajo en los ensayos y el resultado marcó el notable nivel musical alcanzado. Las más de tres horas de música que contiene esta ópera seria, fueron expuestas con una coherente intensidad dramática. Biondi era consciente de la dificultad de mantener el pulso sin caer en desequilibrios y lo consiguió con mucha solvencia.
      
En lo vocal también se logró unas estimables prestaciones. En esta segunda función del domingo 24 de abril, todo fluyó mejor que en la función del estreno tres días antes. Asistí el 21 a la primera representación, pero la visión parcial que tuve desde mi localidad me indujo a esperar a esta segunda función para dejar mis notas.

Gregory Kunde, el Idomeneo protagonista, está un tanto alejado del estilo mozartiano a estas alturas de su carrera. Su experiencia y magisterio en el bel canto decimonónico le permitió salir airoso. Su voz y canto estuvo muy presente y con cierta prudencia y sin alardes, dio la talla como rey de Creta.
La mezzosoprano Monica Bacelli, declaró en la presentación a la prensa, previa a estas representaciones, que le resultaba difícil el papel de Idamante, al tener que hacer de hombre. Esta supuesta dificultad la superó con creces. Bordó los recitativos, matizando con pleno dominio sus recursos vocales. Su canto no fue espectacular, pero estuvo siempre al servicio de la expresión y fue muy convincente dando vida al joven príncipe.
La generosa y enamorada princesa Ilia estuvo encarnada por la joven soprano brasileña Lina Mendes. Una voz atractiva y dúctil, con suficientes recursos para brillar en todas sus intervenciones.
Carmen Romeu, soprano valenciana de voz sonora, hizo de Elettra una potente creación, muy acorde con el visceral personaje. Quizá le faltó matizar algo más. En su última y difícil aria impactó vocalmente y su presencia en escena fue muy eficaz.
Emmanuel Faraldo quedó algo deslucido por falta de proyección vocal, aún así, cantó con mucha corrección el personaje de Arbace.
Michael Borth como sumo sacerdote y Alejandro López como la voz, que interviene al final del último acto, completaron el cuadro de protagonistas. Ambos estuvieron muy correctos.
El Cor de la Generalitat Valenciana, muy presente en esta obra, no solo en lo vocal sino también en la presencia escénica, proporcionó otra noche para el recuerdo. Cantar como lo hacen e implicarse de ese modo en lo teatral, es una muestra de profesionalidad y excelencia, reconocidas ambas cualidades por todos los que tienen la fortuna de trabajar con sus componentes.
Mozart puso su excelente música y Biondi situó los "balletti" en dos momentos de la representación, que según sus palabras, no interfirieran demasiado en el discurso dramático. Los componentes del Ballet de la Generalitat, también muy involucrados en diversos momentos escénicos, resolvieron la acuática coreografía de Leonardo Santos con sugestiva plasticidad y una cuasi perfecta ejecución. Difícil mantener el equilibrio y la coordinación en una superficie con agua y algo resbaladiza. Lo consiguieron. Bravo por ellos.



Davide Livermore, intendente y director artístico de Les Arts, firma esta puesta en escena y es responsable tanto de la dirección como de la escenografía. En la ya mencionada presentación a la prensa, Livermore hizó alusión a 'un viaje del hombre al interior de su alma'... y declaró que esta era una 'superproducción con supermilagros en el presupuesto'... Una odisea más...
Con estas premisas y la mejor de las intenciones hay que acercarse a Les Arts, para disfrutar de este Idomeneo alejado de mitologías clásicas y con planteamientos mucho más cercanos a la realidad histórica de nuestros días.
Es un espectáculo muy visual, repleto de ideas y con una muy estudiada dirección teatral y diseño escénico. El vestuario es de Mariana Fracasso, la iluminación de Antonio Castro y la videocreación es de D-WOK. Todos ellos merecen una valoración positiva y plena de aciertos.
Hay un viaje espacial y un regreso accidentado. Referencias a un mundo en conflicto. Victimas y supervivientes de esos mismos conflictos. Una plataforma metálica que une y separa. Alusiones a los diferentes y engañosos discursos en organismos oficiales. Juegos de espejos en los que se reflejan, enfrentandose a sus propios conflictos, los personajes. Réplícas de Elettra, el personaje más interesado y negativo. Un Arbace militar que aconseja a Idomeneo en la resolución del dilema que él mismo se ha generado. Una voz al final de la ópera, que no es otra que la misma voz de la conciencia del protagonista... y hay también, numerosas ideas tomadas de la película de Kubrick. La visión de '2001: Una odisea del espacio' dejaba a los espectadores con numerosos interrogantes, pero con una amalgama de sensaciones y cierta fascinación por todo lo visto y por la banda sonora escuchada. Algo parecido, salvando las distancias, ocurre con este Idomeneo. Algunas pizcas de fascinación visual tiene, o muchas de ellas, según cada cual. La banda sonora que firma Mozart hace el resto. 


Imagen del final de la representación
Dos genios, Mozart y Kubrick, y algunas genialidades escénicas, no exentas de algún exceso, por parte de Livermore, contribuyeron a dejar una sensación de haber asistido a un espectáculo muy estimulante. Si a esto sumamos el nivel conseguido en la parte musical, dan como resultado una memorable 'tarde-noche' de ópera... El domingo comenzó la función a las 18:00, dejando fuera un espléndido sol de tarde. El final de la representación se puede interpretar como un regenerador canto a la vida. A la salida nos topamos de lleno con una noche primaveral... 



martes, 12 de abril de 2016

IDOMENEO DE MOZART... INVOCANDO A SANTA RITA


Ante el próximo estreno de esta joya de la ópera en Les Arts, dejo aquí unas notas, algo aclaratorias y algo menos reflexivas, como paso previo a lo que nos depararán las cinco representaciones programadas para la ocasión.

Idomeneo, que da nombre a la obra, es rey de Creta y junto con Idamante, su hijo; Illia, princesa troyana confinada en la isla e hija de Príamo, y Electra, princesa e hija del rey de Micenas Agamenón y refugiada en Creta, son los cuatro protagonistas principales de esta ópera seria de Mozart. Los otros personajes son: Arbace, confidente de Idomeneo; el sumo sacerdote, y la voz de Neptuno. Hay un conflicto amoroso, ya que las dos princesas están prendadas del hijo de rey. Una por puros sentimientos y la otra por intereses más pragmáticos. Pero el verdadero conflicto lo genera (y de ahí la invocación que hago a Santa Rita, patrona de los casos difíciles y desesperados) la tempestad marina con la que se topa Idomeneo volviendo de la guerra de Troya. El barco y la vida del rey corren peligro. A este se le ocurre la promesa al dios de los mares, Neptuno, de ofrecerle en sacrificio la vida de la primera persona con la que se encuentre al pisar tierra, si consigue llegar sano y salvo a Creta. Esta primera persona que lo recibe es Idamante. El rey no lo reconoce. Era un niño cuando su padre se fue a la guerra y ahora está hecho un hombretón que cautiva a las princesas sin reino que, con mayor o menor fortuna, residen en Creta. En ese momento Idamente, sin saberlo, tiene los días contados. Cuando Idomeneo reconoce a su hijo, o se presenta como tal, empieza la trágica y angustiosa trama para el rey y padre de la criatura. al pretender escaquearse de la ofrenda prometida al indolente y colérico Neptuno. El dios del tridente le exige que cumpla lo prometido, y como padre, Idomeneo intenta por todos los medios no tener que sacrificar a su hijo. El rey intenta que su descendiente huya de Creta con Electra. Neptuno provoca una nueva tempestad y envía un monstruo marino para impedir esta treta. A Idomeneo no le queda otra salida que aceptar tener que cumplir su promesa. En el momento del sacrificio, Ilia, en un acto de amor, se ofrece a ser ella la victima para calmar la cólera divina y salvar la vida de Idamante.
Todo acaba bien. El dios marino, conmovido por este acto de amor, revoca la promesa hecha por el rey y no exige ningún acto cruento. Impone a cambio, la abdicación de Idomeneo en favor de su hijo y el matrimonio del flamante príncipe de Creta con la princesa troyana Ilia. Final Feliz. Un triunfo del amor terrenal y de la política divina.

El libreto es de Giambattista Varesco, que adaptó al italiano el original francés de Antoine Danchet para la ópera de Andre Campra 'Idomenée', estrenada en 1712. Mozart se implicó mucho en el resultado final del texto, con múltiples indicaciones para ajustarlo a sus necesidades musicales. Con la complicidad de este, Varesco modificó el trágico final del texto original por uno más complaciente y acorde con el espíritu optimista propio de la Ilustración.



Para los no muy amantes de la mitología clásica, hay que recalcar que la música la firma Mozart. Es una ópera seria en todos los sentidos, tanto en el dramático, como en la importancia que tiene dentro del catálogo del músico de Salzburgo. Es definida como coral, por las numerosas intervenciones y la importancia que tienen los conjuntos en el desarrollo dramático. Fue estrenada el 29 de enero de 1781 en Múnich y supuso en su momento una relativa aunque notoria evolución con respecto a sus obras anteriores.
La singularidad de esta obra está en la simbiosis de las influencias que en ella se dan. Son perceptibles la mirada al pasado de la tradición en la ópera seria italiana, las aportaciones de las tragedias líricas francesas y la revolución puesta en marcha por Gluck en el sentido de la continuidad dramática del texto a través de la música.
La impresión que permanece tras la escucha de esta, en muchos aspectos, obra maestra, es la luminosidad propia de toda la música de Mozart; la maestría en la forma de introducir los recitativos acompañados en el desarrollo de la acción; la perfecta definición de la psicología de los personajes; la utilización novedosa de la orquesta y algunos instrumentos como elemento dramático; la pretendida continuidad en la narración por la estimable conjunción de texto y música; las intervenciones corales en todas las partes de la obra, y por encima de todo la belleza y musicalidad que impregna Mozart en sus arias, conjuntos, concertantes y temas musicales propios de esta obra.
La época en la que se crea esta pieza lírica se enmarca en pleno clasicismo musical y Mozart, uno de sus máximos representantes, dejó para la posteridad una tragedia lírica u ópera seria que supuso un antes y un después en su proceso creativo. Lo hecho con antelación despierta nuestro encanto, a partir de esta inspiradísima partitura, no nos queda más que rendirnos a la admiración de un genio de la ópera.

Un maravilloso juego entre el destino de dos hombres y la justicia divina...


domingo, 28 de febrero de 2016

AIDA. LES ARTS 25/02/2016. "VERDI EN EL FOSO"...


Noche de estreno de una reposición. La Aida vista en el 2010, fruto de una coproducción de Les Arts, el Covent Garden y la Ópera de Oslo y pensada por David McVicar, se volvía a representar completa y sin escatimar escenas, esta temporada, haciéndose cargo de la dirección escénica para esta ocasión Allex Aguilera.
La expectación era grande. Las entradas anticipadas están agotadas para todas las funciones. Hay que esperar al mismo día de la función para conseguir localidades. Es un hecho sin precedentes en este teatro, y un aviso a navegantes de que la ópera, o al menos algunas de la obras, sigue teniendo interés.
En el descanso y fuera del recinto, escuché una conversación entre una pareja de jóvenes. Ella le preguntó a él si ya se iban y él le respondió: "Lo mejor ya lo hemos visto, lo que queda no vale mucho"... La representación está dividida en dos partes, actos uno y dos, el descanso, y actos tres y cuatro. En el segundo acto se escucha la célebre Marcha Triunfal y según se deduce, para él, el objetivo ya se había cumplido. Ella quería quedarse, pero acabaron largándose. Lástima, una mala influencia le impidió disfrutar de la segunda parte, donde está la esencia del Verdi ya maduro con momentos de inspiración remarcables.



Este montaje se nutre de la estética de los cómics. Es brutal. Impacta por sus imágenes y por su mensaje, al igual que lo hacen muchos de los cómics que se han creado. La historia está bien contada, y eso es un tanto a su favor. Hay que olvidarse de las "Aidas" vistas hasta ahora. Afortunadamente, la obra de Verdi sí sonó desde el foso, gracias a la labor de la batuta y de las fuerzas estables de este teatro, que ya son señas de identidad del Palau de Les Arts. No eché de menos ni a Isis ni a Osiris y el inmenso Fhtà hizo acto de presencia gracias a lo que se pudo escuchar con notable transparencia.
Un montaje que traiciona la idea original ampliándola en su concepto y que se ajusta perfectamente a la partitura. Es ahí, precisamente, donde reside su interés.
El Ballet de la Generalitat Valenciana tuvo una destacable intervención y es de justicia remarcar su aportación a lo ideado para esta puesta en escena.




La parte vocal estuvo solvente. No había grandes voces, ni voces auténticamente verdianas, pero si hubo buenas intenciones y un estimable equilibrio para que lo escuchado tuviera entidad.
María José Siri resolvió su Aida con gusto y técnica y con buen uso de las regulaciones. Un agudo algo gritado no desmereció su meritoria labor. Destacable fue su "O patria mia"
El Radamés de Rafael Dávila fue de menos a más. Su falta de dotes de actor la suplantó con una voz que se escuchaba bien en los agudos y resolvió la difícultad de su aria de inicio, "Celeste Aida", con el final escrito por Verdi, que no todos lo hacen.
A Marina Prudenskaya le faltó peso vocal en la zona grave del registro, pero se lució en la zona alta de la tesitura y en su gran escena del juicio de Radamés en el cuarto acto tuvo su mejor momento.
Gabriele Viviani hizo un amonasro sonoro y un tanto rudo. Su canto se hizo notar.
Completaron el elenco, Riccardo Zanellatto como Ramfis, Alejandro Lopez en el rey, Fabián Lara en el papel de mensajero y Federica alfano que puso voz a la sacerdotisa. Todos cumplieron con eficacia, con especial mención a Lara y Alfano en sus cortas intervenciones.  
Las participaciones corales tienen su peso en esta obra. El coro de la Generalitat Valenciana, aunque escaso en número de voces según algunos foros, resolvió su labor con excelentes resultados, tanto en sus actuaciones dentro de la escena como en las partes escuchadas fuera de ella. Una entrada en falso de algunas de las féminas no desmerece su gran trabajo.



Asistí al coloquio que organiza Les Arts en colaboración con Amics de l´Ópera días antes del estreno de cada obra y el maestro Ramón Tebar hizo una aleccionadora exposición de intenciones, tanto de las que Verdi reflejó en su partitura, como las suyas propias al abordarla. Estas intenciones se vieron reflejadas la noche del estreno y fue el triunfador de la velada. Su visión de la obra es clara y concisa y supo tanto concertar las grandes escenas, como matizar las partes más líricas con suma nitidez. A su mando, la Orquesta de la Comunitat Valenciana volvió a demostrar su gran calidad. Sin duda una gran dirección.
En este mismo coloquio, uno del público asistente, y que a su vez había estado presente en el ensayo general realizado con anterioridad, comentó que los aproximadamente 700 alumnos de diversos centros de estudios que habían sido invitados a dicho ensayo, tuvieron un "comportamiento ejemplar" y reaccionaban satisfactoriamente ante lo que estaban presenciando y escuchando. La conjunción cómic y Verdi funcionó, y el maestro Tebar confirmó que se notaba en el ambiente que la conexión que hubo con el público joven fue evidente... Otro aviso a navegantes...

La ópera es un trabajo en equipo y eso se demuestra en cada uno de los coloquios previos a cada estreno. También lo demuestra la algarabía de satisfacción que se escuchó en el escenario tras la bajada del telón al finalizar los aplausos del público. Esa algarabía de todos los que han intervenido en el espectáculo no es la primera vez que se percibe en Les Arts. Es un entusiasmo que se agradece y que resulta contagioso... Se respiraba en el ambiente una auténtica noche de estreno y el resultado final fue notable... Con algarabía.

sábado, 16 de enero de 2016

"SAMSON ET DALILA". Les Arts, 14 de enero 2015. FASCINACIÓN, CONTRARIEDAD... Y CONTROVERSIA



La función de esta ópera de Camille Saint-Saëns motivo de estas notas, fue la del 14 de enero, la segunda de las cinco programadas, y al finalizar la primera parte que incluye los actos primero y segundo, salí a tomar el fresco, estaba fascinado. La contrariedad vino en la segunda parte, en el tercer acto, Esta contrariedad forma parte de la fascinación final y de la controversia generada. Intentaré explicarlo con las notas que siguen...




Muy apreciables los debuts de los dos protagonistas, Gregory Kunde y Varduhi Abrahamyan, en sus respectivos papeles que dan titulo a la obra. Kunde, que fue un Samson con limitaciones de movilidad por un accidente durante los ensayos, tiene además mi admiración. Otro hubiera cancelado y él quiso seguir en el proyecto, y con la complicidad tanto del equipo técnico, del escénico y de sus compañeros de reparto, coro incluido, encontraron la solución y funcionó. Dadas sus limitaciones físicas tuvo que transmitirlo todo con el canto y lo hizo. La escena del dúo, la más peliaguda dado su estado, se resolvió con inteligencia. Es el momento más esperado de esta ópera, y las voces, la música, el juego de luces, el color... y las rastas, crearon uno de los momentos memorables. Ese juego erótico con las rastas de Samson me fascinó. Fue como un bálsamo de auténtica sensualidad después de tanto escuchar hablar de rastas a algunos diputados del congreso... Una contrariedad y una fascinación, por este orden.
Abrahamyan estuvo seductora en su papel de mujer fatal como le pedía la puesta en escena. Por voz, mejor en las partes líricas que en las más dramáticas. Frasear como lo hizo en sus "arias", con el tempo ralentizado como le marcó Abbado, tiene su mérito y el resultado, para ser su primera Dalila, fue cautivador.  
André Heyboer, cantó bien y puso intención, pero le faltó algo de peso en la voz, que no es mucha, para acabar de redondear su parte como sumo sacerdote.
Jihoon Kim en el papel de viejo hebreo, desempeñó su parte con plena corrección y le regalaron con otro de los momentos especiales: su intervención en el primer acto, cantando en el patio de butacas de espaldas al director, escuchándose al coro cantar fuera de escena detrás del patio de butacas, fue un momento mágico.
Alejandro Lopez en el papel de Abimélech, Emmanuel Faraldo como mensajero filisteo y los dos filisteos a cargo de David Fruci y Javier Galán, completaron el elenco y cumplieron su cometido.
Sumando las excelentes prestaciones de la orquesta y coro titulares de Les Arts, se confirma que el nivel de calidad se mantiene y el director musical de la velada tuvo mucho que ver en ello...




Satisfecho debió de acabar con su labor en esta función el maestro Abbado. Era su primera intervención como director titular, dirigiendo esta ópera que él mismo ha definido como difícil y con muchos contrastes debido a los diferentes matices que requieren cada uno de sus tres actos. Superó los escollos, con momentos de verdadera fascinación y concertando voces y coro, en algún caso concreto situados fuera de escena, lo que no favorecía, precisamente, esta labor. Me quedó para el recuerdo todo el segundo acto, y en especial el dúo de los dos protagonistas... Muy personal su manera de acompañar las tres "arias" de Dalila, con un tempo lento sin perder intensidad y lirismo, contando con la meritoria confabulación de Varduhi Abrahamyan. Su complicidad con la Orquestra de la Comunitat Valenciana funcionó, sacando de ella un espléndido sonido. El Cor de la Generalitat Valenciana estuvo admirable, y junto con la batuta de Abbado consiguieron en el primer acto, esa mezcla de espiritualidad que transmite la música en ciertos momentos, con otros de impacto dramático reforzados por las imágenes en blanco y negro. Otro motivo de fascinación.




Entramos en la parte escénica y aquí es donde se mezclan fascinación y controversia. Se presentó el montaje de La Fura dels Baus bajo la dirección de Carlos Padrissa como una revisión del original estrenado en la Ópera de Roma en 2013. La intención era aligerarlo para reducir costes. Se calificó como minimalista, y el concepto funcionó mucho mejor en los dos primeros actos. En el tercero, el más "furero" en potencia, se notó la reducción de costes y lo que pudo ser no fue. La bacanal, que pudo ser una autentica orgía tomando referencias sado-maso con la utilización del bondage, se convirtió en una fiesta de matarifes, dando la sensación que la música iba por un lado y lo que se veía por otro. Lo que no deja de ser una contrariedad, una pequeña decepción, sobre todo por que daba la sensación de ya visto...
Zalmira Pasceri, responsable de la coreografía y cabeza visible en el apartado escénico ante la ausencia de Padrissa por motivos laborales, dijo en su momento que la intención era "ir de lo histórico a lo individual", o lo que es lo mismo, de lo bíblico a la realidad actual. Hay muchos guiños y referencias que lo confirman... Códigos de barras, códigos QR, cinturones-chalecos con explosivos, oro negro, bondage, mandalas, y sobre todo la sensación de que cada uno de los personajes va a lo suyo, sin interaccionar mucho entre ellos, solo lo imprescindible. También hizo alusión al ADN, al que nos diferencia genéticamente, y al que, en modo alegórico, nos marca en el aspecto cultural, religioso y geográfico.
El ADN de La Fura es el que es y está bien que así sea. Provocar fascinación, contrariedad y controversia me parece bien, y a la ópera le sienta de maravilla para no morir de narcisismo, y tal vez, para que un público más joven, con rastas o sin ellas, se interese por controversias como esta.
 



El color predominante de esta producción es el blanco y negro, aunque en las fotos aquí expuestas se demuestra que algo de color hubo. Un montaje con sus pros y sus contras, controvertido, pero que hay que ver, 
La parte musical fue estupendamente servida y me hace sentir más cerca de esa definición que hizo el maestro Abbado de esta obra de contrastes... "Maravillosa y coral".

domingo, 10 de enero de 2016

"SAMSON ET DALILA"... TODO POR LOS PELOS


Mandala floral
El 12 de enero se estrena la producción de La Fura de la ópera "Samson et Dalila" de Camille Saint-Saëns en Les Arts, y estas notas son una aproximación a lo que veremos y escucharemos en las cinco funciones previstas.

Oratorio, ópera y bacanal. Esta es la evolución, más o menos, de los tres actos en que se compone la más conocida y, prácticamente, la única de las óperas de Camille Saint-Saëns que se representa en la actualidad.  
Saint-Saëns compuso esta obra dejando de lado su primera intención de crear un oratorio, para finalmente crear una ópera alentado por Franz Liszt. Esta puede ser la razón de ese aire de espiritualidad del primer acto, que se transforma en orgiástico en el último, pasando por el sensual y más operístico del acto segundo, donde se encuentran los momentos más memorables de toda la obra.

El primer acto tiene un carácter narrativo, a modo de oratorio, con una especial intervención del coro y algunos solistas. Es en el segundo cuando la esencia de la ópera hace acto de presencia, y la trama, conflictos y motivaciones de los personajes quedan expuestos. El tercero rinde pleitesía a la Gran Ópera francesa con la gran escena-ballet de la bacanal y su exotismo musical. Un "mix" para elevar el espíritu y sacar a relucir las bajas pasiones, todo con un toque muy particular... Franco-germánico se podría decir.

La puesta en escena de La Fura es una revisión de la originalmente presentada en la Ópera de Roma en 2013. En aquel entonces no provocó mucho entusiasmo. Para estas representaciones en Les Arts, la han aligerado para reducir costes, y quizás, esperemos, para corregir y mejorar los resultados.
Según Carlus Padrissa la inspiración en los mandalas seguirá presente y el blanco y negro refleja los contrastes de esta obra, que oscila entre los sentimientos religiosos y los placeres mundanos.
Abbado, el director musical, ha definido la obra como: "Maravillosa y coral", y ha alabado la afinidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana con la música de Saint-Saëns. Lo que me da seguridad para creer que será una ocasión más para disfrutar con la orquesta titular y el también titular Cor de la Generalitat Valenciana.

Una vez más se cumple una especial característica... La mala es ella, y tiene tres arias para lucirse. Un papel-bombón para muchas mezzosopranos... si encuentran un Samson que les de la réplica y esté a su altura. El consuelo para él es que se redime destruyendo el templo, acabando con los filisteos allí presentes en plena bacanal y vengándose de la tomadura de pelo de Dalila... Sí, porque "todo viene por los pelos de Samson"... 

Quiero remarcar que los dos intérpretes protagonistas, Gregory Kunde y Varduhi Abrahamyan, debutan sus papeles de Samson y Dalila en Les Arts, y esto es, como ha ocurrido en otras ocasiones, un punto a favor de los responsables de llevar a cabo este proyecto, y un motivo de agradecimiento hacia los dos cantantes por darnos la oportunidad de presenciar lo que para mí es un acontecimiento.       


Dejo a continuación tres vídeos que ilustran algo de lo arriba comentado...


Acto primero





Acto segundo





Acto tercero y final de la ópera...



sábado, 12 de diciembre de 2015

LADY MACBETH... 'Andiam' o 'ANDIAM'

                             Ekaterina Semenchuk

Asistí ayer, 11 de diciembre, a mi primera función de 'Macbeth' de Verdi en Les Arts. La segunda será el 17, y como ya se ha dicho casi todo de esta representación, me gustaría romper una lanza en favor de la estupenda Lady Macbeth de la mezzosoprano Ekaterina Semenchuk. El final de su aria en el último acto, 'Una macchia è qui tuttora', lo adaptó con inteligencia, aunque no con los mejores resultados, a sus recursos vocales, que son muchos y buenos... Quizás una "pequeña mancha", muy pequeña, que no empaña su excelente prestación en esta ópera.
Era su debut en el papel y ese honor se lo tenemos que agradecer al Palau de Les Arts, que confió en ella y aceptó el reto con unos resultados dignos de alabar. Bravo.

La excelsa Shirley Verrett es un claro ejemplo de como resolver el final del aria en diferentes etapas de su carrera. En el primer vídeo lo canta como está escrito en la partitura, era el año 1975 y estaba en plenitud de medios vocales. En el segundo, del año 1988, descarta el riesgo y emplea el mismo recurso al que recurre Semenchuk en estas representaciones de Les Arts... Lo dicho, "una pequeña mancha", que algunas grandes del canto han sabido cómo "limpiar"... 

La única que ha hecho honor a este final del aria como lo requería Verdi en la partitura, "Un fil di voce", ha sido Caballé, otras solo se han aproximado y el resto hacen lo que hace Verrett en el segundo vídeo... Bravo...










Mis notas sobre este Macbeth de Les Arts están en proceso de creación...